viernes, 28 de abril de 2017

¿Y el festival del siglo de oro?

SIETE AÑOS DE AUSENCIA DEL FESTIVAL DE TEATRO DEL SIGLO DE ORO ESPAÑOL

Hasta trece llegó a ser el número de obras de Lope de Vega, Calderón de la Barca, Juan Ruiz de Alarcón, Miguel de Cervantes y otros autores que solían ser representadas durante el Festival de Teatro del Siglo de Oro, un evento que llegó a Chihuahua, Delicias, Camargo, Guadalupe y Calvo,
Cuauhtémoc y Valle de Allende.

 Entre algunos de los beneficios generados por este Festival, además de disfrutar de obras de grandes dramaturgos, estuvieron la difusión de textos clásicos en lengua castellana, el acceso a la cultura y la formación de público. Generaciones de jóvenes de preparatoria, como parte de la audiencia frecuente, fueron introducidos en las artes escénicas con este tipo de teatro y son ellos quienes emiten sus comentarios referentes a este Festival: “al principio iba por obligación, después porque me gustaba”.

Auspiciado año con año por el Gobierno del Estado de Chihuahua a través de su Instituto de Cultura, es aproximadamente desde el 2010 -coincidiendo con la fallida administración de Fermín Gutiérrez- la desaparición de éste y otros importantes programas culturales. El Festival de teatro del siglo de oro sigue brillando por su ausencia, aunque no así en ciudad Juárez donde una instancia municipal permite la continuidad del que ha sido referido en medios de Juárez como “uno de los eventos culturales más antiguos y tradicionales”.

Convocado originalmente por el parque El Chamizal en El Paso, Tx, la cercanía geográfica ofrece un considerable ahorro en inversión y logística para la expansión de este festival que tanto en Juárez como en El Paso va ya en su emisión número 42. Este año estuvo albergando a artistas de la talla de Mario Iván Martínez, así como a grupos de teatro universitario y a compañías profesionales mexicanas e internacionales.

En medio de nuestro desierto cultural la gira del Teatro del Siglo de Oro Español ha sido durante muchos años un pozo de agua fresca. ¿Cuánto tiempo más tendremos que esperar para recuperar este Festival en nuestro estado?  Esperemos que las dirigentes de cultura -estatal y municipal- de Chihuahua, así como los de distintos municipios, retomen un proyecto tan relevante como éste y que el público chihuahuense tenga acceso nuevamente a estos espectáculos.


sábado, 15 de abril de 2017

Via crusis: representaciones a través de tres siglos

Iztapalapa 2017. Página ciudadana


Catorce son las estaciones que comprende la práctica cristiana en torno a episodios de la pasión de Jesucristo; una práctica piadosa para la que santos como la madre Teresa de Calcuta han escrito oraciones. Esta experiencia ha sido descrita por Antonio Izquierdo, L.C. como “recuerdo, memoria histórica, enlace amoroso con aquel primer Vía crucis que, desde el pretorio del gobernador romano hasta el monte Calvario, recorrió Jesús de Nazaret...”

Aunque se trata de una devoción muy antigua que bien puede datar de la segunda mitad del siglo XIX, la tradición atribuye las primeras representaciones del Vía crucis asociadas a peregrinaciones ya sea al Monte Kolitza pidiendo a San Roque librar a los pobladores de las pestes de la época o en el Cerro de la estrella, donde sus habitantes invocaron las imágenes de Cristo veneradas en las ermitas de la comunidad, también bajo la preocupación de epidemias que amenazaban familias enteras en 1833. Cuenta la historia que la mortandad por cólera cesó; las representaciones iniciaron y han recorrido ya tres siglos.

En Iztapalapa inicia con la bendición de palmas el domingo de ramos y continúa el jueves Santo emulando la última cena, el lavatorio, la oración en el Huerto de los Olivos y la aprehensión.  El Viernes Santo se sigue con el juicio e  inicia el trayecto que presenta las tres caídas hasta el Calvario.  La versión española arranca la noche del jueves santo con la escenificación del juicio y última cena continuando con el resto al día siguiente. 50,000 espectadores verán este último trabajo de siete meses de ensayos de 350 son personajes. Amabas presentaciones, una en el Estado de México y otra en la región Vizcaína, son distintas año con año y forman parte de las representaciones más grandes celebradas cada año.



viernes, 31 de marzo de 2017

Día mundial del teatro



Esta conmemoración tiene lugar cada año y es convocada por el Instituto Internacional del Teatro (ITI), organismo adherido a la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

Celebrado por vez primera el 27 de Marzo de 1962 - fecha de la inauguración de la temporada del Teatro de las Naciones en París-, el día mundial del teatro cuenta en cada emisión con un manifiesto por una figura relevante que en este año corrió a cargo de Isabelle Huppert quien comentó: “En 55 años soy la octava mujer a la que se le pide pronunciar un mensaje”. La actriz francesa mencionó parte de sus acompañantes al recinto: Medea, Fedra, Blanche Dubois… todos ellos personajes que interpretados o disfrutados como espectadora, parecieran haberse ido al término de una función, pero que en cambio enriquecen su vida mediante la universalidad del teatro que transporta a realidades, en ocasiones cotidianas y en otras distintas o lejanas.

La forma en la que el teatro sigue vivo al nutrir espectáculos contemporáneos o reviviendo a los clásicos fue otro de los puntos en su discurso. “El teatro es muy fuerte, resiste, sobrevive a todo, a las guerras, a las censuras, a la falta de dinero…De hecho, el teatro renace cada día de sus cenizas…” Esta imagen del fuego ha sido utilizada  para referirse a términos teatrales, Eugenio Barba comenta que: “Hablando de teatro… la realidad del fuego regresa…. el fuego de la actuación, el público que se enardece, el ardor de las pasiones y de los aplausos”.

Además de charlas, puestas, talleres, festivales y una inmensa variedad de actividades que se realizan a nivel mundial a esta celebración, existen gobiernos que adhieren su participación a esta fecha, pronunciando compromisos tangibles para acrecentar esta disciplina, pues parte del objetivo de esta celebración es la promoción a gran escala de la disciplina escénica.

Huppert  hizo también un llamado que bien puede extenderse a cada dependencia a cargo de este rubro: “sugeriría a aquellos que pretenden gobernarnos, que estén atentos a los beneficios inimaginables aportados por el teatro…”. Ojalá pronto sea retomado el festival de teatro del siglo de oro en esta ciudad de Chihuahua, pues como menciona la vocera del día mundial del teatro de este año: “El teatro para mí es el otro, el diálogo, la ausencia de odio. La amistad entre los pueblos”.

viernes, 3 de marzo de 2017

Samy Blanco: Arte y diseño



Diseño: Samy Blanco
La creciente frecuencia de actividades artísticas constituye uno de los factores primordiales que generan el despunte de creadores locales que buscan especializarse en su quehacer en el ámbito en que se desarrollan.  

Uno de estos ejemplos es Samuel Blanco. Oriundo de Cuauhtémoc, Chihuahua (1982), inició su aprendizaje de forma cotidiana en el taller en donde su madre elaboraba disfraces. Lo que más le atraía en ese entonces era “el poder crear algo… la combinación de texturas y colores”. Imaginar una pieza y pensar en el proceso creativo que lleva al resultado de esa creación fué lo que desperto su deseo de ser diseñador.

 Exploró diversas disiplinas como el dibujo, la pintura y escultura,  experiencia que recomienda, ya que lo llevó a ser un creador mucho más completo y versátil.




Samuel Blanco se define a sí mismo como un artista, admirador de los diseños que “más que hacer ropa, - crean - arte en cada una de sus piezas”. Sería en 2015 cuando decide inscribirse en el certamen Elle México Diseña, siendo uno de los seleccionados para audicionar en la región noroeste. Esta breve participación reforzaría su propia imagen como un diseñador con innovadoras propuestas.

Samy Blanco
Con el naranja como su color favorito además de una diversidad de materiales y texturas a elegir según la pieza a elaborar, continuará ejecutando piezas para certámenes de belleza, grabaciones y publicaciones diversas.  El portafolio de Blanco cuenta con imágenes de fotógrafos y modelos internacionales y varios de sus diseños han sido publicados en afamados medios, como la revista italiana Vogue, en su versión digital.

Sobre las circunstancias de carencia de apoyos hacia los artistas en formación por parte de las instituciones, considera que los tropiezos constituyen lecciones de las que se puede “aprender bien de ellas para que en verdad te sirvan para ascender” y aconseja a quienes desean dedicarse al arte el  “hacer las cosas con mucha pasión”.






viernes, 24 de febrero de 2017

El adiós a José Solé




La comunidad artística está de luto por la pérdida de José Solé, acaecido el día 15 de febrero en la ciudad de México. Los encabezados para referirse a la noticia de su deceso hablan por sí mismos: “El hombre que fue el mismo teatro”, “Pilar fundamental en la historia del teatro mexicano”, “Decano de los directores teatrales contemporáneos”, “Referente de las artes escénicas mexicanas”… El dramaturgo Tomás Urtusástegui se expresaría él diciendo: “Al maestro José Solé lo he admirado de siempre…una cosa que nos enseñó…fue que hay que respetar a todo tipo de teatro, ya sea comercial, estudiantil, clásico, mexicano, infantil. Él lo hizo. Nos va a hacer mucha falta… México tiene una gran pérdida...”

Perteneciente a la primera generación de actores egresados de la ENAT (Escuela de Arte Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes) tuvo entre sus maestros a Salvador Novo y a Rodolfo Usigli. En más de una ocasión fue premiado por la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro, además de ser director del Centro de Investigación Teatral Rodolfo Usigli (CITRU). Definiéndose a sí mismo como “espectador desde niño”, Pepe Solé habló en innumerables ocasiones sobre  las repercusiones que la carencia de apoyos deja en el proceso teatral: “La falta de estímulos hace que el talento se desperdicie. Muchos escritores no han incursionado en el teatro por falta de perspectivas.”


Es común que artistas experimenten el deseo de participar en más de una disciplina de las  
bellas artes y destaquen en una variación de quehaceres de creación, ejecución, investigación, docencia e incluso del desempeño de funciones públicas. Este fue el caso del maestro Solé quien, durante sus 87 años de vida y una carrera de más de seis décadas, tuvo notables incursiones en el teatro como actor, vestuarista, escenógrafo, director de escena y ópera, por mencionar solo algunas. Los teatros pertenecientes al Instituto Nacional de Bellas Artes se unirán al duelo mediante la colocación de un moño negro y su semblanza aunque será en el marco del día mundial del teatro, el próximo 27 de marzo, cuando se rendirá un merecido homenaje a José Solé. La actriz Luisa Huertas habló de Solé con estas palabras: “Me deja el recuerdo de un hombre de teatro en toda la extensión de la palabra.… Para recordarlo hay que seguir haciendo teatro y celebrar la intensidad de vida que tuvo”.







sábado, 18 de febrero de 2017

Romeo y Julieta

Romeo y Julieta, en el London Theatre

Hay personajes que trascienden las barreras del tiempo permaneciendo en la conciencia colectiva. Este es precisamente el caso de la joven pareja que protagoniza y da título a una de las obras de teatro más representadas de William Shakespeare. La historia es una tragedia salpicada con toques de humor en juegos de palabras que presenta a una joven pareja que trunca su amor ante una serie de situaciones adversas. Fue representada por vez primera en 1596 y con suma probabilidad escrita un año antes, aunque el estilo del dramaturgo británico vierte como posibilidad su escritura durante el período comprendido entre los años 1591 y 1596.

 Se piensa que Shakespeare debió conocer varias de las abundantes versiones de la historia antes de escribir la propia. Troilo y Crésida”, de Geoffrey Chaucer, (1561) y  “La trágica historia de Romeo y Julieta”, escrita en italiano por Bandell, (1562) – y  traducida más tarde al inglés por Arthur Brooke -, son algunos ejemplos de ello. Es la universalidad de su tema lo que permite trascender a “Romeo y Julieta”, convirtiéndolos en una referencia e idealizados como símbolo del amor sublime. Prototipo recurrente de apasionados amantes ambos personajes constituyen personajes complejos en los que es posible vislumbrarnos a nosotros mismos y quizá sea este su legado a la sociedad y lo que los mantiene con vigencia.


Si Romeo y Juliet hubiesen tenido celulares...
Titulares de una de las más conocidas tragedias inglesas, Romeo y Julieta constituyen una de las más notables influencias de su autor hacia una gama de generaciones de artistas y poetas en quienes continúa teniendo un gran impacto a través de obras contemporáneas: óperas, obras y composiciones musicales, películas y ballets.


Shakespeare ha influido en generaciones de escritores desde su muerte y me atrevo a pensar que continuará haciéndolo. Narradores modernos de diversos puntos han de seguir presentando a Shakespeare para a nuestro mundo moderno, ya sea adaptando a Romeo y Julieta en las calles de la ciudad de Nueva York, o presentándolos en el contexto de su época. 

viernes, 10 de febrero de 2017

Habitando un traje



   Tim Robbins y David Schweizerdirector de The Rivals

Pienso en las ocasiones en que un vestuario ha sido causa de deleite en una puesta en escena y aquellas en donde una sobria confección ha dejado de ser suficiente al no llenarse con los elementos actorales que generan ese magnetismo que nos atrapa como espectadores.

La apariencia externa del actor, bailarín o artista escénico comunica más de lo que nos detenemos a reflexionar a menudo. La indumentaria de un personaje posee – o al menos debería - funciones que van más allá del hecho de cumplir el protocolo de presentación de un evento, contienen un sistema de signos que se relacionan con cada actor, sus gestos, movimientos y la totalidad de la escena. Laura Gutman dirá que: “Lo que el traje por sí mismo cuenta, no pertenece solo a la historia del teatro, sino apunta a una mayor comprensión de los fenómenos sociales…El traje teatral resulta así atravesado por los elementos constitutivos de la cultura, la historia y el lenguaje”. 

El vestuario va más allá de la simple apariencia: posee una variante de funciones simbólicas; acentúan su significado en el conjunto del que forman parte. Indica pertenencia a grupos, estratos, lugares, períodos históricos, diferencia identidades, denota carácter y estado de ánimo de un personaje. En una variedad de representaciones en oriente el código de vestimenta teatral, utiliza formulas disociadas que es posible entender en el contexto de la presentación escénica. Algunas compañías como The Actor´s Gang, fundada por el actor Tim Robbins, han vislumbrado posibilidades con esta idea.  Durante la celebración número 30 de su fundación utilizaron este concepto de disgregación en el montaje de “Los rivales”.

Debido a la combinación de elementos de diversos estilos que mostraron, dentro de una misma obra, a personajes con vestuario contemporáneo y otros con el de períodos específicos, la vestimenta en conjunto lucía sin una aparente relación entre sí, pero de fondo había un detallado trabajo de selección desembocado en un vestuario ecléctico. Quizá sea esta combinación de estilos lo que obliga a fijar la vista más allá de la simple apariencia de los atuendos. Se escucha un lejano llamado, una voz que invita a los actores a llenar el traje de cada personaje interpretado.

       Un montaje con vestuario ecléctico: Los rivales, en The Actors Gang




martes, 24 de enero de 2017

Noé Alvarado: Toda una vida en la Danza

Presentación de flamenco en Chihuahua



Noé Alvarado Lozano
Cuando una niña ingreso por vez primera en una academia de ballet lo hizo llevando consigo a un acompañante, se trataba de su hermano menor, quien a sus siete años de edad deseó como ella incursionar en la danza, pero impedido de tomar una clase destinada solo para un grupo de niñas, aprendía los pasos y movimientos para luego repetirlos en casa. Sería hasta la adolescencia cuando este joven descubriría una escuela de baile en la que por fin sería admitido. Martín Lemus y el propio Sergio Unger serían sus primeros maestros.

 A los dieciséis años el joven Noé Alvarado había aprendido flamenco y contaba con excelente técnica de ballet clásico, lo que le permitió formar parte del cuerpo del Ballet Concierto de México, - que más tarde se convertiría en la Compañía Nacional de Danza (CND) -, en donde seguiría escalando hasta ser un solista. De ahí seguirían premios en concursos de baile en televisión y apariciones en programas como el de Enrique Alonso `Cachirulo´, giras a Grecia, Estados Unidos, el Pacífico, entre otros destinos.

Premiación en palacio
          de Bellas Artes
Oriundo de la ciudad de México (13 de junio de 1936), a invitación expresa se traslada a Chihuahua para trabajar como bailarín - y posteriormente como maestro -, en un tiempo en donde “no había teatros ni auditorio”, pero sí un cine colonial en donde bailó, e incluso una escuela que llego a honrarlo poniéndole su nombre.

Noé Alvarado Lozano, ha recibido importantes homenajes, entre los que destaca el de “Toda una vida en la Danza”, un reconocimiento a quienes con sus aportaciones y trayectoria sobresaliente han contribuido a esta disciplina. El reconocimiento organizado por la Academia Mexicana de la Danza y del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), se realizó en la ciudad de México en 1997. Diez años más tarde también se haría acreedor, como creador emérito, a la beca David Alfaro Siqueiros


Noé Alvarado (archivo)
Sobre el abismo en materia de cultura en esta entidad comenta: “Aquí falta apoyo, el arte necesita mucho apoyo para que la gente se dedique a lo que está haciendo… si no hay apoyo, no hay nada, debe haberlo para todas las artes en Chihuahua”. Hoy, con una excelente condición física y mental, continúa enseñando como docente universitario en la facultad de artes de la UACH, en donde conmina a los jóvenes artistas a trabajar con ahínco y a terminar las cosas que inicien. (Yo) “los últimos años que me queden de vida, los quiero aprovechar para dar”

martes, 17 de enero de 2017

Fringe




Uno de los más grandes festivales de las artes en el mundo es el Festival de teatro de Edimburgo, mejor conocido como Fringe Festival, celebrado por forma consecutiva durante sesenta años.

En 1947 surgiría una novedosa iniciativa cuyo objetivo era acrecentar la vida cultural de Europa luego de la segunda guerra mundial: el Festival Internacional de Edimburgo. Sin formar parte de la programación oficial, ocho grupos hicieron acto de presencia en el mencionado festival, pero la falta de invitación no los detuvo para realizar su presentación sino que presentaron sus espectáculos a la orilla o franja del festival, de donde derivaría su futuro nombre de “fringe”; durante los nueve años consecutivos otros artistas imitarían su ejemplo hasta que la “sociedad de franja” – formalizó la existencia de un colectivo que continuaría con las actuaciones que irían en aumento, brindando espacio a los espectáculos que con frecuencia no tuviesen cabida en otros festivales. 

De ahí partirían extendiéndose a diferentes sedes en el mundo: Hollywood, Toronto, 
Australia, Rumania, Indonesia, Sudáfrica, Londres, Tokio, Nueva Zelanda. Tan solo en 2016 el Festival Fringe contó con más de 3,000 espectáculos en 294 lugares, colocándose con ello como el más grande festival a nivel mundial.
¿Qué es lo que hace único este evento en todo el orbe? “Alternativo, independiente, creativo y audaz”, es como se autodefine la sede de este festival de las artes escénicas en San Miguel, donde ha celebrado ya su tercera emisión como “el primer fringe bilingüe en Latinoamérica y el único en México”.

El Festival Fringe ofrece un amplio catálogo de espectáculos a nivel internacional:  infantiles, musicales, teatro físico y experimental, cabaret, comedia, ópera, musicales, palabra hablada, así como música, exposiciones y eventos. Cada año publica su programa y pone a la venta los boletos además de ofrecer asesoramiento tanto a los artistas como a la audiencia, quienes con mayor frecuencia prefieren la comedia debido a los conocidos premios de la comedia de Edimburgo, que han lanzado a la fama a un gran número de actores británicos.





martes, 10 de enero de 2017

Por siempre Elenísima


2016 fue el año de la conmemoración del natalicio número cien de Elena Garro, la dramaturga y cuentista mexicana pionera de las letras y literatura de su tiempo, cuya trascendencia impresa en el tan característico realismo mágico de sus escritos constituye una de sus grandes contribuciones. Tal como la describe el periodista Rafael Cabrera, “Elena Delfina Garro Navarro fue registrada el 7 de febrero de 1917, en la misma ciudad en que nació. Elena fue gachupina, hija de padre español y madre mexicana, y esa dualidad la marcaría toda su vida”. Oriunda de Puebla (11 de diciembre de 1916), Garro atesoró un sinnúmero de recuerdos de su infancia que posteriormente permearían la vastedad de su obra: guiones cinematográficos, cuentos, obras de teatro, novelas…  y fue con este género literario con el que se haría acreedora al premio Xavier Villaurrutia en 1964, con “Recuerdos del porvenir”.  Sobre ella, Olmos de Ita dirá que: “transitaba libremente entre génerosapareció casi por generación espontánea en el teatro mexicano”. Esta breve incursión constituyó un momento clave pues “hasta la arrebatada aparición de Elena Garro, autores y directores de escena dominaban el teatro nacional…” continúa Olmos.

Ed. Dracena retiró el cintillo 
La controversia que acompañó a la figura de Elena Garro en vida también se ha hecho presente en este centenario de su nacimiento en el que diversas universidades, grupos e instituciones se han dado a la tarea de rendirle un merecido homenaje, con publicaciones, charlas y representaciones en torno a su obra. Tal es el ejemplo del cintillo que acompañó el libro “Recuento de personajes, de Elena Garro”, en el que se describe a la escritora como: “Mujer de Octavio Paz, amante de Bioy Casares, inspiradora de García Márquez y admirada por Borges”. Aunque luego de fuertes críticas, la editorial española ofreció una disculpa pública, invitando a las librerías a retirar la faja del libro, las reacciones en torno al acontecimiento no se hicieron esperar. Buzzfeed publicó una nota al respecto con cintillos similares para conocidos autores a fin de dimensionar la gravedad del asunto: “Inspirados en el cintillo ese de Elena Garro, decidimos hacer nuestras propias versiones. Sartre, conoce al amante de Simone de Beauvoir; Jorge Luis Borges, batedo por muchas. Esposo de Maria Kodama, escritora, traductora y profesora de literatura argentina; Ted Hugnes, el poeta que se casó con Silvia Plath…”

Otra polémica en torno a la autora se suscitó por un rompimiento al acuerdo editorial para la aparición de Elena Garro en la portada de la publicación de la revista Tierra Adentro. Ante esta negativa se elaboró una solicitud al entonces secretario de cultura Rafael Tovar y de Teresa, a la que se sumarían organizaciones e individuos.  La petición puntualizó que “desde hace once años, tras 21 dosieres dedicados a escritores, este es el primero que la revista Tierra Adentro dedica a una escritora”. La solicitación puntualizó además que ni siquiera Elena Poniatowska haya contado con un número especial en esta revista, a pesar de que los cinco mexicanos que como ella, obtuviesen el Premio Cervantes, gozaran de una edición en su honor. ¿Sesgo de género? Al final se respetó el acuerdo pactado. La revista numero 219 salió a la luz, con el encabezado “La vida empieza a los cien” y una imagen de Garro, además de artículos con un grupo de especialistas - Enrique Olmos de Ita, Rafael Cabreara, Conrado J. Aranz, María Fernanda Ampuero, Marcela Magdaleno, Guillermo Espinoza Estrada, Liliana Pedroza, Lucía Melgar y Eve Gil -, quienes abordan la diversidad de obra de Garro.


Semejante a la fama de otras artistas, la vida personal escritos de Garro tomaron tono al lado de adjetivos aciagos. Al respecto Liliana Pedroza, investigadora del cuento mexicano escrito por mujeres comenta: “El problema no es que el carácter o la condición de estas mujeres artistas haya sido así – refiriéndose a los calificativos vejatorios con los que se les enlaza -, si no que eso las defina y sea el único prisma con que se trate de entender su vida y su obra. Elena Garro no fue la excepción”.  Harían falta una gran cantidad de palabras para describir por completo a la escritora, luchadora social, mujer con autenticidad y a su legado. Su obra la coloca como un referente ineludible de la literatura Latinoamericana. 


"Ándele, ¿qué se siente?" Emu/Buzzfeed

 "Ay, pobre Borges, lo que tenía de genio lo tenía de feo". 
Alianza / BuzzFeed



DeBolsillo / BuzzFeed