miércoles, 30 de noviembre de 2016

Don Juan


Uno de los personajes de la literatura más conocidos es sin duda alguna el de “Don Juan”, su historia ha atraído a poetas, músicos, artistas gráficos, cineastas  dramaturgos y artistas de todo el mundo. Tan sólo en México, “Don Juan Tenorio”, la versión de José Zorrilla, estrenada en nuestro país durante el Imperio de Maximiliano ha sido aplaudida durante más de ciento cincuenta años; es una de las piezas en lengua española más representadas… y su éxito continúa.

Jhony Deep en Don Juan Di Marco
La legendaria figura de Don Juan es un todo un ícono, que se desplaza de películas a tiras cómicas, de poemas a telenovelas, de óperas a musicales. No solo ha inspirado el trabajo de artistas, sino que tiene una conexión palpable  en la cultura popular mediante un conocido uso del nombre de Don Juan como adjetivo y símbolo inequívoco del hombre libertino o burlador, al que la Real Academia de la Lengua Española define como un sinónimo de seductor de mujeres.

¿De dónde proviene este afamado ficticio cuya connotación ha trascendido no sólo en el tiempo sino los cánones estéticos del arte? Aunque existen versiones antiguas como la de Andrés de Claramonte y Corroy, Tan largo me lo fiáis, (1614 -1617), la concepción popular de este personaje se atribuye a Tirso de Molina con El burlador de Sevilla y Convidado de Piedra, en 1630. Otras afamadas versiones vendrían después:  No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague, (Antonio de Zamora, 1713); Don Juan o el invitado de piedra (Moliere, 1665); Don Giovanni, (Mozart, 1787) y el conocido texto Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, además de El Don Juan triunfante, una ópera imaginaria escrita por el protagonista de El Fantasma de la Ópera en el musical de Andrew Lloyd Webber.


Hay quienes afirman que este personaje de fama internacional no fue creado por  Molina, Pushkin, Bayron u otro escritor, sino que se conocía desde hacía tiempo en Europa como una leyenda. Sea cual fuese su origen, lo cierto es que la historia de Don Juan cuenta con más de cien variantes en la literatura de diversas lenguas.



martes, 8 de noviembre de 2016

80º aniversario de Barba


“El problema real no es aprender, sino aprender a desaprender” Con estas palabras, Eugenio Barba, recibiría en 2014, su más reciente doctorado honoris causa, - de los que suman ya casi una docena –.  Y este año, el aclamado autor y director de teatro italiano está de plácemes por su reciente cumpleaños número 80 para el cual convocó a la comunidad local e internacional a una fiesta que tuvo lugar en Dinamarca a finales del mes de Octubre.  

Barba inició sus estudios en literatura noruega y francesa en la Universidad de Oslo, para luego trasladarse a Polonia con la intención de estudiar dirección en la Escuela Estatal de Teatro de Varsovia, objetivo que dejo de lado con su ingreso en el Teatro de las 13 filas, dirigido por Jerzy Grotowski, en la ciudad de Opole, al sur de Polonia, en el que permanecería por tres años.


Impedido para trabajar como director por su condición como extranjero en Oslo, Noruega, Barba funda  el Odin Teatret con un pequeño grupo de jóvenes que no habían sido aceptados en la Escuela Estatal de Teatro. La base principal de entrenamiento de este grupo recae en ejercicios físicos y vocales; luego de dos años de su creación, el municipio de Holstebro en Dinamarca ofreció una granja y un pequeño apoyo económico para crear ahí un teatro-laboratorio, - el Teatro Laboratorio Nórdico - en el que Barba y su equipo  han permanecido desde entonces. Es en Holstebro donde Barba apertura también un nuevo campo de estudio con la Escuela Internacional de Teatro Antropológico, ISTA. Sus ensayos, en ocasiones escritos para los asistentes a un evento en particular, han tomado el peso de manifiestos para la comunidad teatral de todo el orbe.

Junto con su compañía, el Odin Teatret y el conjunto intercultural Theatrum Mundi Ensemble, ha dirigido 76 producciones en los últimos cincuenta años. Barba es además, miembro del consejo editorial de revistas especializadas  en teatro en diversos países y autor de numerosos ensayos y libros, entre los que destaca: En busca del teatro perdido, el primer libro sobre Grotowski, publicado en Italia y Hungría en 1965.

La sugerencia de regalo con motivo del festejo fue la de realizar aportaciones económicas que serán utilizadas en las actividades culturales del Centro de refugiados que conducen el cuerpo de voluntarios en Holstelbro. Desde 1974, tanto Barba como el Odin Teatret han estado presentes en diferentes contextos sociales, incluido este fenómeno de los desplazados tan palpable en los últimos años.

jueves, 3 de noviembre de 2016

Eugene Ionesco


Cuando nací, yo tenía casi catorce años de edad. Es por eso que yo era capaz de entender más fácilmente que la mayoría de los que estaban a punto de hacerlo – (Ionesco en) Jack-

Aún recuerdo a un par de amigos esperándome a la salida del teatro al finalizar una función. Sus caras reflejaban una cierta mezcla de exaltación y de asombro ante la función de teatro que acababan de presenciar y que sobrepasaba todas sus expectativas. Se trataba de La cantante calva, la primera y una de las más conocidas obras escrita por Eugene Ionesco.

Con la decisión de aprender otro idioma, el dramaturgo Franco-Rumano se encontró memorizando
Sra. y Sr. Smith (Mayra Gallardo y Carlos Robles)
frases largas de texto. Si bien la repetición de palabras hilvanadas quedó lejos de hacerle hablar con prontitud la nueva lengua, releerlas una y otra vez lo llevo a detenerse en ellas. Que el techo está arriba y el suelo abajo, o en que los meses del año fuesen doce, eran todas obviedades, pero a la vez aparecían como verdades indiscutibles que llevarían al autor a vaciar su experiencia de reencuentro con el lenguaje en los personajes de una obra de teatro. "Un extraño fenómeno tuvo lugar. - comenta Ionesco - No sé cómo el texto comenzó a cambiar de manera imperceptible ante mis ojos. Los enunciados más simples e iluminadamente claros que había copiado tan diligentemente en mi cuaderno, abandonados a sí mismos, fermentado después de un tiempo, perdieron su identidad original, se expandieron y se desbordaron. Los clichés y necedades de la primera conversación, que alguna vez habían tenido sentido... dieron paso a pseudo-clichés y a lugares pseudo-comunes; éstos se desintegraron en la caricatura y parodia salvaje, y el idioma final se desintegró en fragmentos inconexos de las palabras".

Jaime Marizcal, interpreta El Bombero
Escrita en 1948  y estrenada dos años más tarde, La cantante calva quedó lejos de elementos característicos del teatro como el argumento lógico y el desarrollo de personajes. Enmarcando una especie de teatro anárquico, las comedias de Ionesco causaron cierta controversia que le señalaba como un enemigo del realismo del teatro, cosa que lo llevo a escribir a sus críticos explicando que sus obras intentaban revitalizar una forma de comunicación, renovando el lenguaje al tratar de decir cosas de una manera nueva.  El año 1962, sería un período decisivo para Ionesco, pues a doce años del estreno de su primera obra, sería identificado por Martin Esslin como uno de los principales exponentes de lo que el mismo nombraría teatro del absurdo…[que] consiste en expresar el sentido del sinsentido de la condición humana, así como lo inútil del pensamiento racional proponiendo un abandono absoluto de la razón”.


El nuevo término acuñado por Esslin permeo a un mundo en recuperación de posguerra. Para el público esta etiqueta de Ionesco es aún imborrable junto a otros autores “absurdos”, como Samuel Beckett, Jean Genet y  Harold Pinter, quienes adoptaron un nuevo tipo diálogo y de ritmo desafiando el estatus-quo teatral y sus principales postulados de imagen y de narrativa.  


Puesta en escena de Mario H. Chávez (Karyna Rascón, José Morales y Yadira Banda)

martes, 1 de noviembre de 2016

APTF: La historia en busca de una audiencia


Constituida hace ocho años con la finalidad de fomentar las prácticas de marionetas en el mundo árabe, la Fundación Teatro de marionetas Árabe, APTF, es un organismo sin fines de lucro que no solo crea espectáculos de títeres sino cuenta con una iniciativa de enseñanza en el uso de marionetas que va métodos relacionados con la fabricación, el rendimiento y el uso de las marionetas en una escuela con sede en Beirut, Líbano que atiende tanto a novels como a artistas experimentados.
Bajo la dirección de su fundador y director artístico Mahmoud Al-Hourari, APTF trabaja con diversidad de organizaciones que fusionan disciplinas artísticas para promover cuestiones sociales y de derechos humanos. Ejemplo de ello es una película en la que se narran experiencias de acoso hacia mujeres en calles árabes, realizada durante 2013, que contó además con impresión de material literario por la misma compañía.




La fundación cuenta además con su propio teatro, que aunado a la escuela de titiriteros, reactiva la tradición en las marionetas árabes en especial entre los jóvenes, realizando estancias y exponiendo proyectos de creación artística, social, rehabilitación y educativa. Sus residencias que abarcan tanto a los títeres de guante como a los de grandes dimensiones, teatro de sombras y espectáculos ambulantes han recibido a cantantes, enfermeros, psicólogos, terapeutas, abogados, educadores, astrónomos, químicos, periodistas y una variedad de personas que comparten el interés común en el arte de los títeres.

Aunque el  trabajo de con personas refugiadas de diversas comunidades que se encuentran en el Líbano cuenta con varios años de experiencia, recientemente han tomado una mayor visibilidad en los medios internacionales, debido a su más reciente espectáculo que se presenta en Londres bajo el título: La historia que necesita urgentemente de una audiencia (A Performance Desperately in Need of an Audience), en la que se narran las causas que obligan a  personas a tomar la determinación de dejar sus lugares de origen y convertirse en desplazados. El espectáculo utiliza  música tradicional, explosiones, silbidos y material de suma fragilidad como cartón y plástico, en clara alusión a las condiciones de vida de miles de refugiados en la actualidad; emplean, como ellos mismos describen el humor, la ligereza, la magia, la alegría y la sátira para considerar – el tema-, más allá de lo puramente trágico o dramático. De este modo, los horrores del exilio se hacen más accesibles al tacto.