miércoles, 21 de diciembre de 2016

Loop It All



Quiero pensar que quienes han sido participes de una puesta en escena han recurrido a la herramienta - en ocasiones tortuosa -, del ensayo previo, como un proceso lleno de vicisitudes - y realizado incluso después de un estreno -. Ensayar es una medida necesaria, pues es a base de repetición como se logran imprimir una serie de sensaciones que aunados al resto de elementos visuales y auditivos logran comunicación con el espectador. Sin embargo, este proceso genera con frecuencia, cierta clase de tedio y cansancio haciendo que improvisaciones valiosas se pierdan durante el transcurso de sus sesiones al no ser retenidas.

“Loop it All”, un método de improvisación y creación de movimiento, fundado por el costarricense César Alvarado, que tomando como punto de partida el dibujo, utiliza la imaginación, ideas, personalidad, memoria y corporeidad de cada persona
Cesar Alvarado, 
creador de Loop It All
para desarrollar un lenguaje corporal aplicable a la escena. Es una técnica creada con la premisa de retomar improvisaciones con la misma fuerza y
frescura con que fueron creadas. ¿Es posible encontrar motivación escénica tomando como punto de partida una pared u otro objeto inanimado? Para Alvarado lo es al observar los detalles: color, material, tamaño, textura, sonido y concepto del objeto en cuestión, pues se “trabaja” con el objeto hasta que cuente una historia. “…abrimos los ojos y ya no es tan abstracto o absurdo, (el objeto) me está hablando, diciendo cosas”. Cualquier cosa que un intérprete vea puede convertirse en detonante para contar una o más historias. La aplicación de esta técnica parte de la propia fisionomía del interprete como instrumento y de su habilidad de archivar exploraciones de movimiento.

Loop It All detalla un proceso de exploración de espacios en donde un personaje entra a un espacio “tomando” con los movimientos de su cuerpo objetos visibles que están a la vista hasta transformarlos, pero “para comprender, hay que estar afilados dirá el creador de esta técnica. Una improvisación puede ser retomada rescatando los mejores momentos, que no solo se repiten, sino que puede convertirse en un diseño mucho más complejo que retiene imágenes y comunica, pues es posible atrapar a la audiencia sin meses de ensayo, con solo abordar el movimiento de una manera creativa. César Alvarado Vega es músico, actor y bailarín profesional, egresado del Conservatorio El Barco y actual director artístico de la compañía Lo que es arriba, una agrupación independiente de arte escénico que desde el año 2010, desarrolla obras de carácter multidisciplinario e imparte talleres sobre esta técnica en diferentes países.



miércoles, 7 de diciembre de 2016

Pastorelas, una tradición vigente

Pastorela en Tepozotlan


Teniendo como antecedente a la novela Pastoril, conserva elementos de este género en boga durante el renacimiento en Italia. Pico de Mirandelo fué Uno de los escritores destacados de esta novela basada en un lugar idílico y bucólico llamado La Arcadia, en el que habitaban pastores, personajes representativos un estado de gracia, absoluta pureza e inocencia quienes además interactuaban alrededor de pequeñas intrigas amorosas.

Las primeras pastorelas presentadas en México suceden durante el período de evangelización tomando a los pastores como ejemplos de pureza, quienes avisados por una visión angélica del nacimiento del Mesías deciden ir a conocerle y adorarle, objetivo saboteado constantemente por asechanzas de Satanás, que se opone a que el Niño-Dios reciba la adoración de la humanidad. La tesis es que si el niño no es adorado, no será reconocido para cumplir con su cometido redentor. Tras muchas fatigas y desencuentros los pastores lograrán su cometido: reconocen y adoran al niño, y Satanás queda derrotado.

No obstante de su función primordial edificadora, el público pronto adopta la pastorela incorporando a textos originales, críticas sobre usos y costumbres de los pueblo, aprovechando con ello la humanidad de los personajes que poco a poco se van transformando en prototipos de determinadas miserias humanas.  Bato se convierte en el prototipo de macho novo hispano;  Bartolo en la encarnación de la pereza -“…Bartolo, despierta, vamos a ver la Gloria. Bartolo (despertando): Si quiere la Gloria verme, que venga la Gloria a mi.”-; Selfa, en la pastora coqueta; Gila, en una persona – hombre o mujer - bondadosa e inocente; y Mengo, quien es representado como el “cornudo”. Existe además el agregado de un personaje incorruptible en la figura de un anciano ermitaño que funge como la conciencia colectiva, una especie de narrador o coro griego. 


Así, los grupos de pastorelas surgen en las vecindades, como tradición familiar, en gremios y hasta por cómicos de la lengua en la misma calle, lejos ya de la pastorela evangelizadora que se representa en los atrios y de la encorsetada pastorela bucólica neoclásica presentada en teatros. Esta apropiación de la pastorela contribuye en gran medida a la popularidad que le distingue al valerse de sus personajes para lanzar todo tipo de críticas políticas y sociales, como al personaje de Lucifer representando a alguna figura política en turno, haciendo con ello que la pastorela asegurara su subsistencia duradera durante los siglos XIX y XX. Algunos autores consideran que si la pastorela hubiese quedado para siempre como un genero de catequesis no hubiera sobrevivido al siglo XVI y es a partir de fines del siglo XVIII e inicios del XIX cuando la pastorela se consagra, a opinión de algunos autores, como un género teatral, teniendo de exponentes Novo hispanos, neoclásicos como Joaquín Fernández de Lizardi - el Periquillo Sarmiento -. No todos los textos se encuentran documentados, sin embargo, la tradición oral ha preservado diálogos y canciones de este género que ha logrado permanencia en el tiempo tan particular como llena  transformaciones que lo convierten en  una tradición.

miércoles, 30 de noviembre de 2016

Don Juan


Uno de los personajes de la literatura más conocidos es sin duda alguna el de “Don Juan”, su historia ha atraído a poetas, músicos, artistas gráficos, cineastas  dramaturgos y artistas de todo el mundo. Tan sólo en México, “Don Juan Tenorio”, la versión de José Zorrilla, estrenada en nuestro país durante el Imperio de Maximiliano ha sido aplaudida durante más de ciento cincuenta años; es una de las piezas en lengua española más representadas… y su éxito continúa.

Jhony Deep en Don Juan Di Marco
La legendaria figura de Don Juan es un todo un ícono, que se desplaza de películas a tiras cómicas, de poemas a telenovelas, de óperas a musicales. No solo ha inspirado el trabajo de artistas, sino que tiene una conexión palpable  en la cultura popular mediante un conocido uso del nombre de Don Juan como adjetivo y símbolo inequívoco del hombre libertino o burlador, al que la Real Academia de la Lengua Española define como un sinónimo de seductor de mujeres.

¿De dónde proviene este afamado ficticio cuya connotación ha trascendido no sólo en el tiempo sino los cánones estéticos del arte? Aunque existen versiones antiguas como la de Andrés de Claramonte y Corroy, Tan largo me lo fiáis, (1614 -1617), la concepción popular de este personaje se atribuye a Tirso de Molina con El burlador de Sevilla y Convidado de Piedra, en 1630. Otras afamadas versiones vendrían después:  No hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague, (Antonio de Zamora, 1713); Don Juan o el invitado de piedra (Moliere, 1665); Don Giovanni, (Mozart, 1787) y el conocido texto Don Juan Tenorio, de José Zorrilla, además de El Don Juan triunfante, una ópera imaginaria escrita por el protagonista de El fantasma de la ópera en el musical de Andrew Lloyd Webber.


Hay quienes afirman que este personaje de fama internacional no fue creado por  Molina, Pushkin, Bayron u otro escritor, sino que se conocía desde hacía tiempo en Europa como una leyenda. Sea cual fuese su origen, lo cierto es que la historia de Don Juan cuenta con más de cien variantes en la literatura de diversas lenguas.



martes, 8 de noviembre de 2016

80º aniversario de Barba


“El problema real no es aprender, sino aprender a desaprender” Con estas palabras, Eugenio Barba, recibiría en 2014, su más reciente doctorado honoris causa, - de los que suman ya casi una docena –.  Y este año, el aclamado autor y director de teatro italiano está de plácemes por su reciente cumpleaños número 80 para el cual convocó a la comunidad local e internacional a una fiesta que tuvo lugar en Dinamarca a finales del mes de Octubre.  

Barba inició sus estudios en literatura noruega y francesa en la Universidad de Oslo, para luego trasladarse a Polonia con la intención de estudiar dirección en la Escuela Estatal de Teatro de Varsovia, objetivo que dejo de lado con su ingreso en el Teatro de las 13 filas, dirigido por Jerzy Grotowski, en la ciudad de Opole, al sur de Polonia, en el que permanecería por tres años.


Impedido para trabajar como director por su condición como extranjero en Oslo, Noruega, Barba funda  el Odin Teatret con un pequeño grupo de jóvenes que no habían sido aceptados en la Escuela Estatal de Teatro. La base principal de entrenamiento de este grupo recae en ejercicios físicos y vocales; luego de dos años de su creación, el municipio de Holstebro en Dinamarca ofreció una granja y un pequeño apoyo económico para crear ahí un teatro-laboratorio, - el Teatro Laboratorio Nórdico - en el que Barba y su equipo  han permanecido desde entonces. Es en Holstebro donde Barba apertura también un nuevo campo de estudio con la Escuela Internacional de Teatro Antropológico, ISTA. Sus ensayos, en ocasiones escritos para los asistentes a un evento en particular, han tomado el peso de manifiestos para la comunidad teatral de todo el orbe.

Junto con su compañía, el Odin Teatret y el conjunto intercultural Theatrum Mundi Ensemble, ha dirigido 76 producciones en los últimos cincuenta años. Barba es además, miembro del consejo editorial de revistas especializadas  en teatro en diversos países y autor de numerosos ensayos y libros, entre los que destaca: En busca del teatro perdido, el primer libro sobre Grotowski, publicado en Italia y Hungría en 1965.

La sugerencia de regalo con motivo del festejo fue la de realizar aportaciones económicas que serán utilizadas en las actividades culturales del Centro de refugiados que conducen el cuerpo de voluntarios en Holstelbro. Desde 1974, tanto Barba como el Odin Teatret han estado presentes en diferentes contextos sociales, incluido este fenómeno de los desplazados tan palpable en los últimos años.

jueves, 3 de noviembre de 2016

Eugene Ionesco


Cuando nací, yo tenía casi catorce años de edad. Es por eso que yo era capaz de entender más fácilmente que la mayoría de los que estaban a punto de hacerlo – (Ionesco en) Jack-

Aún recuerdo a un par de amigos esperándome a la salida del teatro al finalizar una función. Sus caras reflejaban una cierta mezcla de exaltación y de asombro ante la función de teatro que acababan de presenciar y que sobrepasaba todas sus expectativas. Se trataba de La cantante calva, la primera y una de las más conocidas obras escrita por Eugene Ionesco.

Con la decisión de aprender otro idioma, el dramaturgo Franco-Rumano se encontró memorizando
Sra. y Sr. Smith (Mayra Gallardo y Carlos Robles)
frases largas de texto. Si bien la repetición de palabras hilvanadas quedó lejos de hacerle hablar con prontitud la nueva lengua, releerlas una y otra vez lo llevo a detenerse en ellas. Que el techo está arriba y el suelo abajo, o en que los meses del año fuesen doce, eran todas obviedades, pero a la vez aparecían como verdades indiscutibles que llevarían al autor a vaciar su experiencia de reencuentro con el lenguaje en los personajes de una obra de teatro. "Un extraño fenómeno tuvo lugar. - comenta Ionesco - No sé cómo el texto comenzó a cambiar de manera imperceptible ante mis ojos. Los enunciados más simples e iluminadamente claros que había copiado tan diligentemente en mi cuaderno, abandonados a sí mismos, fermentado después de un tiempo, perdieron su identidad original, se expandieron y se desbordaron. Los clichés y necedades de la primera conversación, que alguna vez habían tenido sentido... dieron paso a pseudo-clichés y a lugares pseudo-comunes; éstos se desintegraron en la caricatura y parodia salvaje, y el idioma final se desintegró en fragmentos inconexos de las palabras".

Jaime Marizcal, interpreta El Bombero
Escrita en 1948  y estrenada dos años más tarde, La cantante calva quedó lejos de elementos característicos del teatro como el argumento lógico y el desarrollo de personajes. Enmarcando una especie de teatro anárquico, las comedias de Ionesco causaron cierta controversia que le señalaba como un enemigo del realismo del teatro, cosa que lo llevo a escribir a sus críticos explicando que sus obras intentaban revitalizar una forma de comunicación, renovando el lenguaje al tratar de decir cosas de una manera nueva.  El año 1962, sería un período decisivo para Ionesco, pues a doce años del estreno de su primera obra, sería identificado por Martin Esslin como uno de los principales exponentes de lo que el mismo nombraría teatro del absurdo…[que] consiste en expresar el sentido del sinsentido de la condición humana, así como lo inútil del pensamiento racional proponiendo un abandono absoluto de la razón”.


El nuevo término acuñado por Esslin permeo a un mundo en recuperación de posguerra. Para el público esta etiqueta de Ionesco es aún imborrable junto a otros autores “absurdos”, como Samuel Beckett, Jean Genet y  Harold Pinter, quienes adoptaron un nuevo tipo diálogo y de ritmo desafiando el estatus-quo teatral y sus principales postulados de imagen y de narrativa.  


Puesta en escena de Mario H. Chávez (Karyna Rascón, José Morales y Yadira Banda)

martes, 1 de noviembre de 2016

APTF: La historia en busca de una audiencia


Constituida hace ocho años con la finalidad de fomentar las prácticas de marionetas en el mundo árabe, la Fundación Teatro de marionetas Árabe, APTF, es un organismo sin fines de lucro que no solo crea espectáculos de títeres sino cuenta con una iniciativa de enseñanza en el uso de marionetas que va métodos relacionados con la fabricación, el rendimiento y el uso de las marionetas en una escuela con sede en Beirut, Líbano que atiende tanto a novels como a artistas experimentados.
Bajo la dirección de su fundador y director artístico Mahmoud Al-Hourari, APTF trabaja con diversidad de organizaciones que fusionan disciplinas artísticas para promover cuestiones sociales y de derechos humanos. Ejemplo de ello es una película en la que se narran experiencias de acoso hacia mujeres en calles árabes, realizada durante 2013, que contó además con impresión de material literario por la misma compañía.




La fundación cuenta además con su propio teatro, que aunado a la escuela de titiriteros, reactiva la tradición en las marionetas árabes en especial entre los jóvenes, realizando estancias y exponiendo proyectos de creación artística, social, rehabilitación y educativa. Sus residencias que abarcan tanto a los títeres de guante como a los de grandes dimensiones, teatro de sombras y espectáculos ambulantes han recibido a cantantes, enfermeros, psicólogos, terapeutas, abogados, educadores, astrónomos, químicos, periodistas y una variedad de personas que comparten el interés común en el arte de los títeres.

Aunque el  trabajo de con personas refugiadas de diversas comunidades que se encuentran en el Líbano cuenta con varios años de experiencia, recientemente han tomado una mayor visibilidad en los medios internacionales, debido a su más reciente espectáculo que se presenta en Londres bajo el título: La historia que necesita urgentemente de una audiencia (A Performance Desperately in Need of an Audience), en la que se narran las causas que obligan a  personas a tomar la determinación de dejar sus lugares de origen y convertirse en desplazados. El espectáculo utiliza  música tradicional, explosiones, silbidos y material de suma fragilidad como cartón y plástico, en clara alusión a las condiciones de vida de miles de refugiados en la actualidad; emplean, como ellos mismos describen el humor, la ligereza, la magia, la alegría y la sátira para considerar – el tema-, más allá de lo puramente trágico o dramático. De este modo, los horrores del exilio se hacen más accesibles al tacto.

miércoles, 19 de octubre de 2016

La fallida administración de Fermín Gutiérrez y Sergio Reaza:

Fermin Gutierrez/Sergio Reaza

10 programas culturales que dejaron de existir (o sufrieron deterioro) en Ichicult
Laura Doci/Liliana Pedroza/Exprés
La cultura en Chihuahua ha padecido su peor administración estos últimos seis años bajo la tutela de Fermín Gutiérrez Galindo y Sergio Reaza Escárcega, prueba de ello es la desaparición y quebranto de significativos programas de cultura durante el período a su cargo.

El recuento de los daños:
  1. Beca David Alfaro Siqueiros
Más de 150 artistas chihuahuenses de la talla de Mario Arras, Felipe Nájera y Adriana Barraza – actriz nominada a los premios Oscar -, firmaron una solicitud para conocer los motivos de la postergación e impedir la desaparición del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico, mejor conocido como Beca David Alfaro Siqueiros. Contar con un fondo anual de la federación para este programa no impidió que los becarios de la última emisión tuvieran que esperar más de medio año para que se les pagara la primera mensualidad. Con la salida de Fermín llegó Sergio Reaza y un nuevo coordinador de atención a creadores, pero nada se sabe sobre la convocatoria correspondiente a este año. ¿Exceso trabajo impide lanzar la emisión 2016? Nos queda hasta el 31 de Diciembre para averiguarlo.
  1. Encuentro Internacional de Escritores Literatura en el Bravo
Un encuentro exitoso que reunía a escritores de distintas nacionalidades y lenguas y donde se otorgaba la Presea Gawí Tonara –recibida por Rigoberta Menchú, Carlos Montemayor, Luis Y. Aragón, entre otros-, tuvo verdadera resonancia internacional pero se fue quedando sin recursos hasta desaparecer. El último encuentro fue en el 2014.
  1. Feria Estatal del Libro
Sergio Reaza

Este año la Feria Estatal del Libro fue cancelada en Chihuahua capital y Parral teniendo Ciudad Juárez como única sede debido a que “no había recursos para organizarla”, según declaraciones de Sergio Reaza. No hay que olvidar que la Feria de Libro 2014, con Fermín Gutiérrez como director se vio envuelta en un escándalo por no haber pagado a los escritores que participaron, tal como se declaraba en actas oficiales sobre el manejo de recursos. Además, debido a la pobre gestión de apoyo a escritores chihuahuense para participar en la Feria Internacional del Libro en el Palacio de Minería, que este año tuvo a Chihuahua como estado invitado hubo quien prefirió abstenerse de participar.  Desacertadas omisiones del instituto hablan por sí solas.
  1. Festival de Teatro del Siglo de Oro
¿Quién recuerda a los grupos de teatro que representaban a los clásicos como Lope de Vega, Cervantes o Calderón de la Barca? Se trata de puestas en escena que anualmente lograban presentarse en Chihuahua luego de acudir al Festival de Teatro de Siglo de Oro del Chamizal. Parece que ni el ahorro considerable en traslados por su cercanía, ni la calidad de los montajes o la formación de generaciones de estudiantes de nivel medio importaron, pues el programa fue cancelado.  El programa continúa presentándose en Juárez, no por gestión instituto sino del municipio.
  1. Muestra Estatal de Teatro
Fermin Gutierrez
En 2014 este evento tuvo resonancia no precisamente por su calidad, sino debido a que la coordinadora de la Muestra Estatal participaba en una de las obras concursantes. Hay buenos esfuerzos por quienes ocuparon luego el puesto de artes escénicas, pero la ausencia de apoyo institucional es notoria con mínima o nula inversión en materia de difusión o la entrega de programas a destiempo –cuando los hay-. Si la afluencia de audiencia fuese prioritaria veríamos llenas cada una de las funciones -nota para estudiantes: conseguir un auto o dejar sus cosas bajo un arbusto, prohibido el ingreso de alimentos ¡y mochilas! –
La emisión de este año retiró apoyos a montajes seleccionados y repercutió en la disminución de participantes. Es curioso pensar que el préstamo de un espacio es suficiente para las compañías de teatro y pareciera que la lógica es que mientras los funcionarios cobran, los artistas deben trabajar gratis. Eso sí, los créditos de dependencias y autoridades serán de lo más visible.
  1. Programa de publicaciones
Este programa de apoyo a la publicación de escritores locales también tuvo su última convocatoria en 2015, pero desde años anteriores había dejado de cumplir su cometido dando largas para sacar los libros ganadores y los que han sido publicados padecen de una mala distribución comúnmente conocida como “embodegamiento” –llámese así a la retención de ejemplares encerrados con imperceptible movimiento de circulación, amén de la posibilidad de absorción de goteras en días lluviosos-. Material que bien podrían estar a disposición de los usuarios en la Biblioteca Carlos Montemayor, que tienen a su cargo – donde por cierto, tampoco se permite el acceso con mochilas o bolsos de mano: sea usted tan amable de dejar sus pertenencias bajo su propio riesgo-. Buena suerte tratando de encontrar la colección completa de publicaciones en este recinto.
  1. Proyectos inacabados y aplazamiento de pagos
 Aún podemos ver inconclusos tanto el edificio del Ichicult que iba a ser una galería como el espacio reservado para un archivo histórico y colecciones especiales.  Sería interesante saber que tampoco hay dinero para ellos, a pesar de los recortes de personal y de documentos oficiales que apuntan el gasto de casi 1 millón de pesos en la inexistente Biblioteca Digital de Lenguas Originarias de Chihuahua. Pareciera fuera de lógica una inversión cuantiosa pese a la carencia más que evidente de material en la biblioteca Montemayor.
Existen convocatorias con requerimientos profesionales que ofertan el mismo monto de apoyo otorgado en concursos catalogados como aficionados. ¿De verdad se pretende incentivar la profesionalización en la cultura y las artes con ello?. Apoyos y subvenciones se han entregado con meses de retraso sin importar fechas de pago programadas, ejemplo de ello son varios de los talleres artísticos realizados por el departamento de públicos específicos así como presentaciones del Festival Internacional Chihuahua – aunque al parecer solo sucede con artistas locales -. ¿Acaso se detienen las quincenas del director del instituto? Sería una buena idea verles trabajar a la espera de su pago con meses de retraso al igual que los artistas a quienes deberían apoyar.
    8. Revista Solar
La publicación de la revista Solar desapareció en papel nada más entrar Fermín Gutiérrez. El intento de modernizarla sólo tuvo 1 o 2 números digitales. Cosa curiosa es que no se haya enlazado la versión digital a la página electrónica del instituto, quizá porque tampoco hay dinero para volver los medio electrónicos efectivos y con información actualizada de sus dirigentes. Sergio Reaza retomó el proyecto de Solar, aunque si salió algún número no tuvo visibilidad –posiblemente porque no tuvo distribución en el estado-. Nada se sabe de este proyecto.
  1. Teatros
Llama la atención sobre manera que los teatros se renten con suma facilidad para ceremonias, graduaciones y eventos que no requieren instalaciones especializadas, pero complica la usanza de estos espacios a creadores. Tarifas poco accesibles y la falta de negociación para el cumplimiento de requerimientos exhaustivos de protección civil son algunas de las insuficiencias del instituto en este rubro.
En 2006 se remodelaron los teatros, pero al día de hoy parecen padecer falta de mantenimiento, basta echar un vistazo tan solo al área de sanitarios, – no solo de los teatros sino de varios recintos del instituto -. Aquí aplica muy bien aquella frase de comensales: “si no se cuida el baño que es lo que está a la vista, imagínense la cocina”.
  1. Prestaciones de la Orquesta Filarmónica del Estado vs aumento de ingresos del director del Instituto Chihuahuense de la Cultura
La Orquesta Filarmónica del Estado trabaja en condiciones precarias y sin certeza laboral pues no tienen una prestación tan básica como la jubilación.  Sergio Reaza se comprometió a realizar la “basificación” y prestaciones de integrantes de la OFECH en el Septiembre de este año. ¿Alguna noticia sobre ello?
El considerable aumento de ingresos de Sergio Reaza Escárcega desde el inicio de su cargo, contradice el argumento de falta de recursos para realizar los programas previstos.  El instituto enuncia este incremento “a fin  de  que  el sueldo  total  correspondiente  al  del  Director  se  equiparara  a  la  percepción  de  un  director de  un  Organismo  Público  Descentralizado  de  Gobierno del  Estado”.   ¿Sería esta la “evolución” cultural de la que Reaza habló al asumir el cargo? ¿Dónde queda aquella declaración del instituto sobre “unos ajustes y cambios que vendrán a mejorar la atención y la gestión de recursos”?
Recordemos que el presupuesto anual del instituto agrupa fondos estatales, federales e iniciativa privada y asciende a más de 132 millones de pesos anuales-.  Con la desaparición y recorte de estos programas ¿dónde quedó el presupuesto que nos pertenece como ciudadanos? Después de estos largos 6 años de sequía cultural, el Ichicult ha quedado como se encuentra actualmente la casa que lo alberga, deshabitada y llena de fantasmas de antiguas glorias.

miércoles, 5 de octubre de 2016

Premio Nacional de Bellas Artes


Conocido como Medalla Bellas Artes por la presea de oro que reciben los ganadores, el Premio Nacional de Ciencias, Letras y Artes es un reconocimiento otorgado a mexicanos con trayectoria destacada en una de las disciplinas convocadas. Instituido por la federación en 1944 bajo el nombre de Premio Nacional de Artes y Ciencias, la presea consistente de diploma y monto en efectivo, fue concedida por vez primera a Alfonso Reyes en 1945. Al año siguiente se creó el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, estipulando la entrega del premio como una de sus funciones. Veinte años después se ampliarían los campos galardonados, que incluyen desde entonces a la creación literaria,  historia, filología, filosofía, crítica literaria y ensayo.  

Entre los homenajeados encontramos personalidades de la talla de Juan Rulfo, Rodolfo Usigli, Agustín Yáñez, Fernando Benítez, Juan José Arreola, Carlos Monsiváis, Salvador Novo, José Emilio Pacheco, Elena Poniatowska, Diego Rivera, Jaime Sabines, el cineasta Luis Buñuel, la poeta Dolores Castro, y los dramaturgos Luisa Josefina Hernández, Hugo Hiriart, Vicente Leñero, Maruxa Vilalta y Emilio Carballido, además de los chihuahuense Martín Luis Guzmán, Carlos Montemayor e Ignacio Solares.

La designación de candidatos de la codiciada presea, está integrada por comisiones de selección de la Universidad Nacional Autónoma de México, UNAM; el Instituto Nacional de Bellas Artes, INBA; el Instituto Politécnico Nacional, IPN; el Instituto Nacional de la Investigación Científica y la Academia Mexicana de la Lengua, entre otras instituciones.


Este año seis artistas recibieron el premio, entre ellos el dramaturgo y crítico de teatro José Ramón Enríquez, quien forma parte de la segunda generación post usigliana bautizada con el nombre de “Nueva Dramaturgia Mexicana”, de la que forman parte Sabina Bermna, Tomás Urtusástegui, Alejandro Licona, Óscar Liera, Víctor Hugo Rascón Banda, Estela y Vicente Leñero, Willebardo López y otros más. Mucho se hablará sobre la influencia de unos autores sobre otros y en el caso de Enríquez, Graham-Jones comentará la referencia inequívoca a la obra de Ignacio Solares en dos de los textos de quien hace unos meses fuera homenajeado en el Palacio de Bellas Artes. El premio otorga su inclusión en el Sistema Nacional de Creadores.

martes, 4 de octubre de 2016

Teatro penitenciario


Hamlet, proyecto Ruelas


Con talleres institucionales de teatro y literatura, además de  concursos de dramaturgia a nivel nacional los proyectos de teatro penitenciario proliferaron en México durante las décadas de los 80´s y 90’s. Surgidos como una herramienta con el objetivo de trabajar en la rehabilitación de personas en situación de reclusión como una alternativa terapéutica y cultural, el teatro penitenciario posee una larga trayectoria en nuestro país.

Jorge Correa
Ejemplo de ello es Jorge Correa Fuentes, a quien este año se rindió homenaje a por su  destacado por su trabajo este rubro. Egresado de Escuela Teatral del Instituto Nacional de Bellas Artes, INBA, Correa inició su trabajo en el teatro penitenciario en 1978 al recibir la invitación para dar un taller de teatro dentro de los reclusorios. Ahí, en lo que el mismo denominaría teatro de la oscuridad y del encierro encontró la forma de conectar  situaciones de los internos con los temas de los textos de teatro.  Las obras autobiográficas presentadas tuvieron tal  eco en la sociedad que contaron con cobertura en medios masivos de comunicación, como en los programas televisivos de Ricardo Rocha y Zabludosky.

Correa
Impartiendo talleres y montando obras en diferentes reclusorios del país Correa idearía el Sistema Teatral de Readaptación y Asistencia Preventiva, con el que imparte sus talleres e  involucrar de manera emotiva  a los internos con quienes trabaja y ha llegado incluso a participar en el Festival Cervantino, en su natal Guanajuato. Así, la  puesta en escena de su proyecto Liberarte presentaría  la primera obra que participara en el afamado festival durante el 2014. Pero no todo es miel sobre hojuelas en la continuidad de estos proyectos, como lo comenta Correa Fuentes: "las iniciativas empezaron a escasear, y si queríamos hacer teatro en cárceles, era sin presupuesto y paga alguna. El teatro en las prisiones se fue muriendo, dejando un hueco inmenso a nivel social y cultural. Ahora hay proyectos aislados y significativos".

Aunque existen diversos programas de teatro en los sistemas de reclusión, Correa hace una distinción entre teatro en prisión y teatro penitenciario, explicando que el primero, representa obras de autores clásicos, como Shakespeare, Moliére o Sófocles, mientras que el teatro penitenciario constituye el medio para  llevar a escena temas inherentes al interno.  Este año Jorge Correa ha sido distinguido por el Instituto de Teatro de la Unesco, con el título de padre del teatro penitenciario; su trabajo teatral ha logrado reunir a integrantes reclusos de pandillas y cárteles rivales para trabajar en conjunto. El teatro, -dirá Correa – "Los ayuda en todo, en todo… el interno tiene necesidad de comunicar… el teatro es un medio para que tú digas cosas y externes tu situación… yo sigo porque estoy convencido, porque yo  conozco la esencia del hombre…"

sábado, 24 de septiembre de 2016

Ricardo Colorado Seira, un contador de historias

Rodaje de: "La otra parte"
Ricardo Colorado Seira
“Mi pasión es el cine, pero si se me tuviera que encasillar en un cuadrito y decir que soy, yo te diría: soy un cuentista”. Con estas palabras Ricardo se define a si mismo por su gran pasión: la de contar historias. Abogado de profesión, su carrera toma un giro trascendental al contactarse a un grupo de cineastas mexicanos radicados en Estados Unidos con quienes ha podido desarrollarse como escritor y productor de cine; lo que inició como un pasatiempo hace años, es hoy su trabajo de tiempo completo.

Sus estudios de guionismo rindieron  frutos con la culminación de la producción de “Crescendo”, un cortometraje ganador de  dieciséis festivales, entre ellos el International Hollywood Film Festival, y su nominación a mejor cortometraje en la edición 2013 de la entrega de premios de la academia en los Oscares. A este proyecto se sumarían el productor mexicano Eduardo Verástegui y Patricia “Pattie” Mallete, madre de Justin Biber, quien identificándose con la historia, participa como productora ejecutiva. Es también en compañía de Metanoia Films y de Alejandro Monteverde, que Colorado Seira participa en la revisión del guión de la película “El gran pequeño”. El objetivo de Colorado, es el de realizar producciones “que tengan sentido y contenido”, como el mismo expresa. “Creo que el cine nos da esa gran oportunidad de cautivar la atención del espectador… ese potencial de poder proponer, de que la gente vaya al cine y salga con algo, que salga enriquecida y motivada…”

Con más de diez años escribiendo historias, Ricardo Colorado atribuye a su abuelo su gran gusto y determinación por el desarrollo de relatos. Considera que en Chihuahua existen elementos necesarios para hacer cine como “la luz envidiable para filmar”, aunque aún hace falta la creación de una comisión fílmica en el estado para acceder a presupuestos destinados para este fin.  A los creadores y personas con inquietudes artísticas recomienda "...no solo seguir sus sueños, sino estar dispuestos a aceptar el fracaso. En el trabajo en esta industria siempre hay algo que aprender: un libro, curso. ¡La clave es prepararse y arriesgarse!"
Colorado y Antonio Kusturaki

Atraído e identificado con las historias de frontera escribe el cortometraje “The Walk”, en el que narra los sucesos de un padre que busca llegar "al otro lado" para reunir a su hijo con el resto de la familia. “El cine es una ventana no solo para entretener sino para reflexionar, para entender la propia historia” comenta el autor que el próximo mes debutará como director de su primer largometraje: "La otra parte": Será Verástegui quien se sume de nueva cuenta como productor de esta ópera prima además del diseñador de sonido de "Babel", Carlos Zamorano. Seleccionada entre más de 7,000 cintas "La otra parte" será presentada en la gala de apertura de uno de los festivales fílmicos más importantes de Iberoamérica: el Festival Internacional de Cine de Morelia, FICM, en su 14a edición.  ¡En hora buena!


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jueves, 15 de septiembre de 2016

Medalla “Rascón Banda” para Perla De la Rosa


Perla De la Rosa

Fueron 12 los aspirantes presentados por la Comisión de Educación y Cultura del Congreso del estado de Chihuahua para la obtención de la Medalla al Mérito Cultural “Víctor Hugo Rascón Banda” 2016, un reconocimiento que se otorga a chihuahuenses destacados en la cultura y las artes que distingue además con la colocación del nombre galardonado en el muro de honor de la Sala de Visitantes Distinguidos del edificio legislativo.
Una destacada trayectoria de más de treinta años  le valió a Perla De la Rosa convertirse en la primera mujer galardonada con esta presea. Egresada de la Licenciatura en Literatura Dramática en la UNAM y miembro del sistema nacional de creadores por el Fondo nacional para la cultura y las artes (FONCA), Perla se desempeña como directora artística de la compañía de teatro Telón de Arena, formada como ella misma menciona por los más de 50 colaboradores con los que  realizamos múltiples proyectos como oferta cultural para Ciudad Juárez, nuestra ciudad, no tan heroica, como si despojada y marginada…”
Con su compañía, constituida legalmente como asociación civil en 2002, Perla continúa realizado actividades culturales que permean a diversos sectores de la sociedad de manera constante. Ejemplo de ello son el espacio cultural Café-teatro, donde ofrecen una gama DE invitados en teatro, música y ciclos de cine; el Teatro en tu ciudad, que presenta espectáculos urbanos de gran formato; el Teatro para la convivencia destinado al desarrollo de públicos y la atención de sectores vulnerables; y el Laboratorio escénico teatro de fronteras con el que mantienen actividades de formación e intercambio creativo
La ceremonia de premiación  se llevó al cabo el 6 de Septiembre, en el Congreso del Estado. En su discurso, Perla hizo hincapié en el sentido de denuncia de las obras de Rascón Banda, recordándole junto a Leñero en el denominado Movimiento de teatro clandestino, memoria teatral de acontecimientos  de desolación en México. “¿Cuáles serían las historias de la aldea de Víctor Hugo, las que no alcanzó a imaginar siquiera? ¿La historia de una madre que busca justicia y que es asesinada, a las puertas de palacio de gobierno? ¿La historia de los cientos de desaparecidos de Cuauhtémoc? ¿El hotel verde y la historia de jóvenes vejadas, explotadas y asesinadas, que siguen siendo una realidad en Ciudad Juárez? ¿Los diputados? ¿Los gobernadores? ¡Cuántas historias que reclaman justicia! y que seguramente estarían en la preocupación de Víctor Hugo Rascón Banda”, afirmó De la Rosa en su discurso.

Ganadora de un Ariel como actriz de cuadro en el 2004, nominada como revelación femenina por la Asociación de Críticos y Cronistas de Teatro de México y compañera de escena de Joaquín Cossío, el nombre de Perla es toda una tradición en el quehacer artístico nacional que hace referencia a su incansable labor al servicio de la cultura en su propia comunidad. Su labor continúa y es en Ciudad Juárez donde presenta “Safari", su más reciente trabajo en colaboración con Adelheid Roosen y el actor Daniel Giménez Cacho. 

"Safari"

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sábado, 10 de septiembre de 2016

Teatro y verso




Pedro Calderón de la Barca, Felix Lope de Vega, Tirso de Mollina, William Shakespeare son algunos de los autores que pueden saltarnos a la mente cuando pensamos en el teatro en verso. Ellos forman parte de los máximos exponentes en el ramo y sus obras continúan representándose.

¿Qué es lo que resulta atrayente de este tipo de teatro? Mientras el octosílabo y endecasílabo, son los versos utilizados con mayor frecuencia en el teatro español es el verso alejandrino, de catorce sílabas, el favorito en el teatro francés. Esto nos da una idea de la tarea laboriosa que es el identificar las pautas métricas en que se basan autor y actores para contarnos una historia  - amén de  las variaciones reglamentarias de cada idioma -  pero de alguna manera la construcción del texto en verso con su ritmo y melodía propios, logra atraparnos en algún momento, ofreciéndonos la oportunidad de examinar el mundo contemporáneo a través de los ojos de los personajes y su época. Nos percatamos de similitudes entre pueblos; observamos que aunque hay cosas pueden cambiar, también habrá ideas, emociones, tradiciones y formas de ver el mundo que persisten a través del tiempo.

Presenciar este tipo de teatro podría resultar un poco abrumador de inicio, pero la fuerza contenida en el verso es tal que ofrece una estética única. Un texto  melódico interpretado de manera adecuada produce deleite. Es muy deseable el interés genuino de actores de cine y teatro por la práctica del teatro en verso que resulta sobremanera provechoso tanto para el ejercicio de su profesión como para la audiencia que presencia su trabajo. Como ha opinado Oscar Ulises Cancino, el estudio del teatro del siglo de oro español en las escuelas del país es necesidad urgente, su implementación enlaza a los estudiantes con las raíces de la propia cultura.


Aunque realizado en menor frecuencia existe también teatro contemporáneo escrito en verso. Su aguda escasez deriva en llamamientos imperiosos como el del dramaturgo británico Glyn Maxwell: “Haz algo de teatro en verso, alguien hágalo antes de que me vuelva complacidamente loco, solo en este campo."

martes, 6 de septiembre de 2016

Arte

"Arte". trad. Christopher Hampton




Una de las grandes gracias del arte radica en la presentación de perspectivas sobre una realidad determinada. Prueba fehaciente de ello son las artes escénicas, cuando el argumento planteado por el autor hace lugar común con el de la audiencia el texto resulta en una mayor acogida, es la resonancia que dispone a la reflexión del tema en cuestión. Tal es el caso de “Arte”, la obra de teatro con autor aún vivo, más representada a nivel mundial. 

 Escrita por Yasmina Reza, el texto presenta la discusión de tres amigos suscitada por la compra de un cuadro vanguardista. Marcos: “Mi amigo Sergio se ha comprado un cuadro. Es una tela de aproximadamente un metro sesenta por un metro veinte, pintada de blanco. El fondo es blanco y si entornamos un poco los ojos, podemos percibir unas finísimas líneas blancas transversales…”  Iván un amigo en común será el tercer personaje en discordia que quedará en medio de ambos, tratando de conciliar sus puntos de vista ya que la compra de Sergio - un lienzo en blanco por un precio exorbitante-, es un completo desperdicio en la opinión de su amigo. Marcos: “Que Sergio se haya comprado ese cuadro me supera…. No consigo entender cómo es posible que Sergio, que es amigo mío, haya podido comprarse ese cuadro. ¡Cinco millones! Tengo que contárselo a Iván…”

"White on White" Kazimir Malevich
Tras su estreno en París en  Octubre de 1994 “Arte” se hizo acreedora al máximo galardón otorgado al teatro francés: el premio Moliere. Posteriormente obtendría también  los premios Laurence Oliver y Tony, las preseas equivalentes para teatro en Inglaterra y Estados Unidos. El éxito de esta obra radica con suma probabilidad en una serie de preguntas sin resolver sobre el arte moderno, además de la sencillez del escenario que exige pocos cambios durante su puesta; también el hecho de que los personajes cuenten con parlamentos generosos de donde los actores que gusten de monólogos pueden servirse a manos llenas. La faceta de Reza como actriz antes de su despegue como dramaturga, ha sido señalada también como un componente importante de la gran popularidad de su escritos. Al respecto, David Ives, en entrevista para la revista American Theatre, comenta: "La verdad es que la mitad de la razón por la que sus obras se hacen es porque los actores quieren hacerlas. Sus obras (refiriéndose a Reza) son pegajosas para los actores... ahí hay grietas superficiales para un artista".


Son los personajes en apariencia simples quienes poco a poco toman dimensiones profundas que plantean interrogantes a cuestiones muy humanas como las relaciones interpersonales. Con todo, el texto es el pretexto para abordar de una manera mordaz las menguadas pautas y el elitismo del arte contemporáneo. ¿Es la modernidad vs el tradicionalismo? La propia Yasmina dirá: "No me corresponde a mi decirlo, pero el teatro es un espejo, un reflejo nítido de la sociedad. Los grandes dramaturgos son moralistas".